CRITICA

Un colore che si scioglie in emozione, uno sguardo che esprime un universo interiore, due occhi dalla bellezza infinita che manifestano una coraggiosa risposta allo sconforto, una città che diventa proiezione della condizione esistenziale contemporanea, luoghi abbandonati che sono metafora della desolazione e dell’afflizione… un’artista che empaticamente ascolta e racconta un rumoroso silenzio sociale e che al contempo sa estrarre la bellezza dal cemento e dall’asfalto. Rosy Mantovani dipinge, con grande sensibilità, la condizione umana odierna fatta di molta solitudine e di difficoltà di comunicazione. È una situazione paradossale perché proprio quando il mondo civile si è globalizzato, accorciando ogni distanza fisica e culturale, e si è unito in un’unica rete, attraverso i mass media ed i social networks, qualcosa è stato smarrito o, peggio, è andato perduto: l’essenza dell’umanità e la possibilità di condividere in concreto la propria esistenza. Si vive circondati dal caos del mondo ma si finisce per essere rinchiusi, come in una gabbia, nella prigionia di un IO che non trova modo di vivere come NOI. Il mito del progresso e la nuova religione del lusso e del divertimento lasciano dunque il campo al senso di una desolata e malinconica solitudine, alla depressione di fronte all’impossibilità di una vera comunicazione e condivisione e dunque al disinganno. Un’incomunicabilità che l’artista ritrae nei suoi personaggi: sempre in primo piano, sono gli unici attori in questo spaccato dell’esistenza, sono i soli protagonisti di un racconto emozionale perché non c’è nessuno accanto a loro che ascolti l’urlo della loro anima. Mantovani li ritrae completamente immersi nei loro pensieri, dimenticando ciò che gli accade attorno. Non ne sono partecipi, ne sono esclusi o forse se ne escludono perché impegnati a guardarsi dentro per capirsi. Accovacciate su un binario della stazione, in cammino lungo una via trafficata, girovagando tra le luci e le assordanti macchine del luna park, le sue figure sono sole, con lo sguardo altrove che non vuole incontrare l’attenzione e l’interesse di altri. Mentre tutto attorno è movimento e rumore, i suoi personaggi si muovono con un altro ritmo e con un altro tempo: il loro ritmo e tempo interiori, di un pensiero che scivola lento e profondo. Sono Attimi, sono un percorso continui di ricerca. In questo cammino verso la consapevolezza inizia la riscossa delle loro esistenze. Ne nasce una bellezza interiore e dunque una grazia esteriore, i suoi protagonisti diventano Fiori di strada. In quelle periferie desolate o rumorose, sudice o abbandonate si accende la bellezza degli sguardi di chi non demorde, di chi combatte… e forse vincerà. Non c’è compiacimento per la bellezza di questi volti e di questi corpi. C’è empatia. E infine ecco che si riscopre la bellezza della vita. È la possanza della resilienza. È un viaggio che ognuno di noi compie in se stesso. È il pensiero che domina questo mondo che, nello sforzo di raggiungere una consapevolezza e di ritrovare le forze per resistere, sembra perdere il colore. Una cromia selezionata e parca non ci distrae. Solo la figura è a fuoco, perché si è messa a fuoco. Il contesto si scioglie nell’emozione, si sfalda come uno sfondo perso nelle lacrime. Sono lacrime di colore che scivolano sulla tela come lacrime nascoste che urlano al mondo. Noi le dobbiamo ascoltare come l’artista. L’attenzione dell’artista si sposta infine puntandosi su quegli occhi, sullo sguardo, finestre dell’anima. Scompare lo sfondo, scompare la città, scompare il mondo, fino a che rimangono solo il volto e i pensieri. Sono i Ritratti. La materia sporca della città, della realtà urbana ferrosa è sempre presente, è la cortina da cui emergono con forza. L’impostazione dell’opera si semplifica ma si potenza la forza espressiva.

Testo critico a cura di Emanuela Fortuna

da RESILIENZE I Fiori dell'Anima

Esiste una dimensione identitaria del volto, l’insieme di tratti che rendono ciascuna fisionomia unica e riconoscibile. Ma esiste anche la capacità del volto di elevarsi a simbolo nell’arte di significati che trascendono il singolo individuo per conquistare un valore condiviso. Nell’opera di Rosy Mantovani, questo secondo aspetto giustifica il tramutarsi delle fisionomie femminili in immagini che pur richiamando, anche nel titolo, il genere del ritratto, non identificano una persona in particolare ma suggeriscono – attraverso un percorso visivo che integra tra loro in maniera corale tutti i dipinti dello stesso ciclo – il progressivo dipanarsi allo sguardo di metamorfosi interiori che trasformano il volto in un’intensa quanto fragile apparizione. Come nella celebre tautologia di Gertrude Stein “una rosa è una rosa è una rosa”, in cui la ripetizione della stessa parola fa sì che questa si carichi ogni volta di nuovi significati che la parola “rosa” da sola non contiene, allo stesso modo, osservando queste figure, potremmo dire che “un volto è un volto è un volto”, nella misura in cui ogni ritratto si lega all’altro e al contempo se ne differenzia rimarcando la distanza che divide identità e alterità. Se l’arte offre la possibilità di vedere con occhi nuovi aspetti della realtà già conosciuti, allora quelli raffigurati non sono più soltanto volti di donne che la pittrice ha immortalato cogliendone le differenti caratteristiche, ma diventano anche trascrizioni visive di concetti astratti – grazia, malinconia, solitudine, fierezza – che declinano il femminile, e più in generale l’animo umano, in una chiave universale. In altre parole, “un volto è un volto” ma è anche ciò che in quegli occhi, in quell’espressione indecifrabile, in quel sorriso mancato vogliamo e riusciamo a vedere, facendoci guidare dagli indizi che il Ritratto, colore, con le proprie diluizioni e densità, è in grado di suggerire. Per un artista, cercare di capire cosa si nasconda dietro il mistero del volto che ha davanti non è cosa poi così diversa dall’ostinazione che lo spinge a tentare di comprendere cosa ci celi dietro il mistero della pittura. Nel caso di Rosy Mantovani, entrambe le esperienze convivono nello spazio neutro della tela generando una tensione tra l’elemento figurale, qui inteso non solo come rappresentazione di un dato reale ma in senso pittorico anche come forma dai contorni misurabili, e la materia cromatica, che richiama invece la dimensione intangibile e illimitata dell’astrazione. A ben guardare, quello che potrebbe sembrare un combattimento tra due codici espressivi, ovvero figurazione e pittura informale, si rivela essere invece un armonico dialogo tra forma e colore, che si integrano l’un l’altra fino a creare un “corpo” unico e indivisibile, una fusione/sparizione della figura nella materia cromatica e viceversa. È un aggiungere spessore poetico all’immagine sottraendo dettagli inessenziali, dissolvendo i contorni, alternando alla fissità ieratica dei volti il dinamismo della stesura pittorica, all’evanescenza luminosa della figura – spesso rimarcata dall’applicazione di garze – i toni bruni e terrosi di macchie e colature. La stessa dialettica tra opposti contraddistingue la serie Fiori dell’anima, nella quale compito del colore non è più quello di stabilire un equilibrio visivo e di significato tra figurativo ed astratto, quanto invece di accentuare la condizione di giovani donne intrappolate all'interno di paesaggi distopici, periferie desolate la cui sola speranza è rappresentata dall'innocenza di queste figure. Hanno sguardi che interrogano l’osservatore mostrandogli una via di uscita da questi luoghi emblema di abbandono ed alienazione, veri e propri inferni urbani creati dall’uomo contro l’uomo. Il loro candore indica una possibilità di rinascita per il mondo, un riscatto che può compiersi restituendo importanza a valori ormai perduti, come fiori estinti che rivivono all’alba di un nuovo giorno.

Testo critico a cura di Daniela Pronestì

L'arte ha accompagnato la storia della civiltà dalla notte dei tempi, o meglio, dagli albori della coscienza umana con i celeberrimi graffiti e dipinti di Lascaux risalenti forse a 18.000 anni fa, ora patrimonio mondiale tutelato dall'UNESCO. Un'epoca puramente indicativa che, se  non certifica con esattezza la nascita dell'arte figurativa, testimonia quantomeno il bisogno primordiale di rappresentare e consacrare la Natura, i fenomeni connessi alla vita ed al suo mistero secondo la mimesis, ovvero l'imitazione. Lo sguardo dei nostri progenitori artisti era dunque puramente emulativo e volto alla raffigurazione fedele di animali, piante o paesaggi, senza implicazioni emozionali o psicologiche. La stessa impressione la ricaviamo dall'arte assiro-babilonese o da quella egiziana. Qui l'intento è documentare avvenimenti storici o religiosi con il distacco del cronista che svolge il suo lavoro senza commenti a margine. Con le sculture e pitture dei Greci prima e dei Romani poi, l'arte inizia a rivelare aspetti inediti fino a quel momento. Soprattutto nella scultura vi è l'esaltazione della forza, del carattere dei personaggi nel pieno delle loro prodezze belliche e, in generale, l'epopea di un tempo che ancora oggi ci appare vivo grazie a quelle solenni forme marmoree che restituiscono il palpito vibrante dei corpi. Una fenomenologia della rappresentazione che si lega indissolubilmente ad una parola: realismo. Un termine, quest'ultimo, che già dall'analisi del suo etimo (res, dal latino, significa 'cosa') rivela la presenza di avvenimenti concreti, tangibili per l'interpretazione dello sguardo. I canoni di questo movimento vengono definiti in Francia subito dopo il 1850 con la pittura 'viva' di Courbet, ma l'arte è sempre stata raffigurazione realistica. Dovremo attendere l'inizio del novecento per vedere sovvertita questa tendenza. Dalle premesse degli impressionisti francesi che iniziano a scomporre figure e paesaggi fondendoli in un unicum, l'arte assumerà le connotazioni di linguaggi astratti ed informali dove non conterà più il percepire definito dello sguardo imitativo ma il sentire (e rappresentare fuori da ogni regola convenzionale) – con personalissima sensibilità e metodo – il mondo circostante.

IL REALISMO

  La contemporaneità, alla luce delle molteplici esperienze trascorse, offre infinite possibilità tecniche e soluzioni espressive, dalla tradizione all'innovazione più ardita. L'estetica non è più dogma assoluto che unifica bensì valore personale che fa storia a sé, senza necessariamente riferirsi al precedente. C'è l'artista che si identifica nell'azione della performance e si ritiene svincolato da qualsiasi implicazione stilistica o estetica, nella considerazione che l'unica cosa che conti sia la manifestazione di un'idea forte, trasgressiva e vincente; ci sono gli esponenti dei linguaggi d'avanguardia del novecento, autentici sovversivi della classicità della forma. Infine, gli artisti più conservatori sempre fedeli al metodo, allo studio di un Vero che non è esercizio stilistico ma dimensione di profonda indagine antropologica, psicanalitica o sociologica. Artisti che non intendono rinunciare ai dettami accademici, all'armonia sacra delle proporzioni e, in ultima analisi, alla destinazione originaria dell'arte quale confronto con la Natura e percorso interiore. Il realismo non propone espressamente temi religiosi, mitologici o allegorici ma i fatti per come si presentano, sovente con marcate implicazioni sociali. E' il caso di Rosy Mantovani, artista fedele ad una pittura dell'esistenza allo stato puro che cela nel suo nucleo la verità profonda degli uomini. Una cifra espressiva che riflette, nella definizione attenta dei personaggi protagonisti, quella molteplicità psico-comportamentale riferita al dramma umano.

I CONTENUTI: FIORI DI STRADA

L'ETERNO FEMMININO - I VOLTI DELLA VITA

"L'arte si rivolge a tutti nella speranza di essere, prima di tutto, sentita, di suscitare uno sconvolgimento emotivo". Andrej Tarkovskij

Nelle parole del regista russo sembra racchiusa l'anima stessa dell'arte, quella dimensione che appartiene alla pittura, alla poesia, alla fotografia e ad ogni linguaggio espressivo che mira a raggiungere altri intelletti ed altre anime. Un'arte che riserva, nella sua più pura essenza, la volontà di tradursi in atto esistenzialista, filosoficamente e formalmente. Tale, in fondo, si rivela la pittura dell'artista Rosy Mantovani, che torna felicemente in Galleria Farini cocept per proporre altri tasselli della proprio ricerca pittorica. Opere emozionali, che ritraggono quasi esclusivamente l'eterno femminino, universo che l'artista sonda attraverso un'analisi dei sensi, delle emozioni e sotto il riflesso della luce dettata dall'antropologia e dal nostro tempo. Emerge, quale sotteso trait d'union, in tutta la sua produzione, uno sguardo malinconico, distante, capace di rapportare disagi interiori prettamente appartenenti al mondo di Venere. Una malinconia, una sorta di inguaribile solitudine che veste l'intera figurazione e si traduce in componente semiotica. Sino ad ora la Mantovani ci avveva abituati a dipinti in cui le protagoniste erano immerse in una sfera metropolitana, sfocata, buiia, desolata, opere di grande potenza espressiva che rimandavano agli stilemi di fotografia. Le opere presentate in occasione di Arte a Palazzo - Primo avviversario di un progetto del contemporaneo, entrambe nominate Untitled, appartengono alla più ampia serie Ritratti e propongono al pubblico un ulteriore tratto pittorico della Mantovani. Se si ripercorresse l'intera storia del ritratto, da quello più informale - sin dalla scuola dell'infanzia si chiede ai bambini di "ritrarre" i membri della propria famiglia - a quello divenuto, nei secoli un genere a sè stante, capace di rivestire ruoli differenti e sempre di maggiore importanza, si scoprirebbero valenze simboliche peculiari a questa forma di rappresentazione. Da Pigmalione a Dorian Gray il mito e la letturatura, inoltre, presentano figure indimenticabili, stregate dalla malia del ritrattoo, ora struggente o talvolta persino diabolica. In ogni caso, più che in qualsiasi altro soggetto, il ritratto è quello con cui più l'arte si confronta e scontra con la natura. Il pittore cattura un'espressione fuggevole, un momento irripetibile, un moto dell'anima e li fissa indelebilmente sulla tela, esternando una presenza, un volto. I due ritratti della Mantovani paiono eternare due visi femminili, anche per quell'effetto statuario che l'artista ha dato alle raffigurazioni. Un effetto straordinario, che riporta alla memoria un altro mito greco, quello di Medusa, che con il proprio sguardo pietrificava chi incrociava la sua strada. Non c'è un tratto malvagio nelle opere dell'artista, ma la volontà di fermare, anche stilisticamente un'imago. La polverosa atmosfera che attornia queste due donne, le cristallizza, le isola, a differenza di dipinti già noti, nella loro fermezza, nel taglio fotografico, nell'impressione di set cinematografico; inverità sono gli sguardi a colpirci, a svelare i turbamenti di una psiche, quella femminile, complessa, ma da non aver bisogno di titolo esplicativo. Non importa che le figure siano quasi abbozzate, scrostate, indefinite, fantasmagorie di un intero universo; è nei loro sguardi, diretti o indiretti, che si racchiude la chiave di lettura ed il legame empatico tra chi osserva, chi è effigiata e chi ha dipinto.

 a cura dello staff Galleria Farini - Bologna

da ARTE A PALAZZO 

"...madri, sorelle, figlie di qualcuno o forse nessuno, sempre meravigliosi FIORI DI STRADA"

E' così che l'artista Rosy Mantovani racconta e descrive a parole le sue donne, quelle che dipinge e sono protagoniste di storie velate sulle sue tele, "anime perse nel loro essere...in perenne cerca dell'amore", come si legge nel canto in versi dedicato alle donne dell'artista, dall'amico Fabio JK Cavallo aka Poeta Maledetto. La pittrice pavese traduce attraverso una palette di colori cupi, ma al contempo trasognati, un esistenzialismo ombroso che descrive in maniera emozionale quello che è il nostro contemporaneo, da un punto di vista sociale e ponendo il focus sulla figura femminile. Il perno di tale ricerca si fonda sul tedio metropolitano, sulla paradossale solitudine che si nasconde tra le ombre dei palazzi, delle piazze, del caos urbano, dove si è parti definite di una indefinita massa. Solitarie figure si aggirano nelle opere della Mantovani. Donne dai tratti molto belli dai cui volti, tuttavia, traspaiono i chiari segni di una indeterminatezza di sentimenti, commistioni di malinconie, tristezze, sogni e speranze che faticano ad emergere dal torpore del grigio urbano. E la città, sullo sfondo, sembra quasi disfarsi, come fosse immersa in una atmosfera nebbiosa, che non permette alla luce, se non quella artificiale, di aprire varchi vitali. Tempeste di pioggia e sentimenti paiono abbattersi su queste anime, che vivono nei luoghi più lontani della vita e della città. E alla maniera di Sartre, o, secondo lo spirito di Baudelaire, per cui "Nulla eguaglia in lunghezza quei giorni zoppicanti in cui, sotto pesanti fiocchi di nevose annate, la noia, frutto della triste indifferenza, assume proporzioni d'immortalità", come scriveva nel suo Les Fleurs du Mal, si apre un parallelismo ontologico con il concetto di una sorta di indifferenza di moraviana memoria, che deriva dall'aver, tuttavia, rinunciato alla felicità senza neppure accorgersene. Negli occhi delle donne dipinte dalla Mantovani, che nel realismo dei tratti e nella pennellata sicura, per quanto fluida ed evanescente talvolta, troviamo un lirismo delicatissimo, in bilico tra oblio e volontà di sopravvivere, come fiori di strada, fiori che, non liberi come nei campi, ma ingabbiati tra cemento e solitudine, tentano di trovare il proprio posto, pur sentendosi, spesso, fuori luogo. Alienati animi che cercano una ragion d'essere che trovi la forza per non cedere all'abisso dell'umore contrario. E mentre la bellezza decadente ci incanta, ancorandoci ad un'idea di estetica che trova nella malinconia una bellezza sottile, ma invisibile a molti, chiara, appare, invece, la maestria tecnica con cui la pittrice si muove sulle sue tele. Il duopolio tra le parti messe a fuoco e parti trattate come fossero sfocate, avvicina alle istanze della fotografia, a cui, invero, le composizioni semiotiche della Mantovani sembrano fare riferimento, in parte. E' il nostro tempo quello che si riversa nelle opere dell'artista, il nostro tempo che viene tradotto, da un punto di vista formale e da un punto di vista emozionale. Lasciano riflettere dipinti come questo, in cui sella bellezza e sul dato oggettivo, è il dato soggettivo che prende il sopravvento e si fa luogo universale per interrogare il nostro sentire.    

a cura dello staff della Galleria Farini

da ARTE A PALAZZO - L'ebrezza del contemporaneo - V collettiva