CRITICA

L’evoluzione contenutistica e l’espressione di un artista seguono, talvolta,  i percorsi più imprevisti, inimmaginabili e improvvisi, pur costituendo e mantenendo saldo il legame con i principi fondamentali che caratterizzano l’insieme della produzione.Nella serie “le Bambine” Mantovani delinea un percorso facendo leva sul profondo, scava tra le angosce personali e interpreta una visione del mondo senza sconti, senza veli e inutili orpelli.Sono, queste, opere che imprimono impronte profonde nella coscienza di chi vi si trova davanti, l’occhio cerca particolari che possano lenire la sensazione di disequilibrio momentaneo che si crea nella coscienza, si intuisce subito che quelle “creature” non sono semplici ritratti, ma hanno funzione di specchio, di rimando emotivo, di atto d’accusa.L’infanzia è argomento con forte presa emotiva, la si vorrebbe sempre avvolta da serenità e bellezza, sollecita senso di tenerezza e protezione, ma l’artista ne mette a nudo verità scomode, usa l’immagine icona dell’infanzia contestualizzandola in un ambiente crudo, inospitale, in qualche modo claustrofobico. Non sorridono le bambine, lo sguardo è , a tratti, assente, rimarcano nella genuinità il senso di impotenza che può cogliere chiunque, spinge a cercarne le ragioni nelle pieghe dei chiaroscuri, negli ambienti accennati suggerti.L’operazione artistica risulta altamente efficace, scuote le certezze creando crepe, mette in luce una società senza futuro e sempre più spesso anestetizzata ai problemi comuni, cieca di fronte al dramma, ecco dunque i soggetti assumere valore iconico, non più l’infanzia simbolo ma la società provata dall’anelito di potersi proiettare verso il domani. Sono presenze – assenze che abitano lo spazio pittorico, appaiono di passaggio, hanno la consistenza dei pensieri e la morbidezza della malinconia.La scelta del monocromatico accentua la dimensione onirica, l’impressione mobile della memoria, una memoria che l’artista vuole collettiva, un invito ad uscire dal torpore e agire.In queste opere ognuno può ritrovare se stesso e riconoscere le criticità dell’uomo contemporaneo.Un invito a riflettere sulle infinite possibilità e responsabilità che ognuno ha nei confronti dell’ambiente fisico e sociale nel quale vive, qui rappresentato come infanzia negata.

Testo critico a cura di Stefania Maggiulli Alfieri

Se nel romanzo di Andrè Malraux è la morte a essere presupposta, neppure tanto velatamente, la condizione umana che Rosy Mantovani fa trasparire dalle sue opere racconta se mai la solitudine, viepiù rimarcata da una moderna comunicazione tuttora ardua malgrado le tecnologie a disposizione. La ferrosa realtà urbana – come sottolinea in una nota critica Emanuela Fortuna – emerge non solo negli scorci fuggenti fra strade desolate, dismessi macchinari e fantasmi di ciminiere; essa viene a ricoprire, quale vago substrato onirico, perfino la sintesi progressiva dei volti magistralmente dipinti e per certi versi sconsacrati dall’artista lombarda. Caligini biancovestite, lise coltri ragnate di bruma industriale, dalle quali lo sguardo però si inerpica addolcito dall’eleganza del segno grafico in tutta la sua forza animale e animistica. Il tutto proteso a risolvere ritratti avvolti, per quanto sia possibile, da una screziata luccicanza di umbratili monocromie. Quasi un duplice ossimoro atto a ulteriormente definire le direzioni concordi o inverse di una precisa espressione visiva.

Testo critico a cura di Norman Zoia

Il realismo onirico di Rosy Mantovani parla dell'uomo attraverso l'uomo, ad esso affida un messaggio universale di umanità in conflitto con sè stessa, nella costante ricerca del sè profondo. La formula coinvolge lo spettatore spingendolo a cercare risposte in sè stesso.

In quest'opera, sulla scorta della storia, ricordiamo Donatello, il Cristo è uomo comune, il contorno parla esso stesso di storia passata, vissuta, descrive un presente in disfacimento, testimone del tutto che scorre e cambia  pur restando, nella semantica concettuale, sè stesso, quì il Cristo-uomo, sdoganato dal peso della croce-materia può elevarsi ai più alti livelli di spiritualità, concependo il miracolo del tutto in eterno divenire.

Testo a cura diStefania Maggiulli Alfieri

 Un colore che si scioglie in emozione, uno sguardo che esprime un universo interiore, due occhi dalla bellezza infinita che manifestano una coraggiosa risposta allo sconforto, una città che diventa proiezione della condizione esistenziale contemporanea, luoghi abbandonati che sono metafora della desolazione e dell’afflizione… un’artista che empaticamente ascolta e racconta un rumoroso silenzio sociale e che al contempo sa estrarre la bellezza dal cemento e dall’asfalto. Rosy Mantovani dipinge, con grande sensibilità, la condizione umana odierna fatta di molta solitudine e di difficoltà di comunicazione. È una situazione paradossale perché proprio quando il mondo civile si è globalizzato, accorciando ogni distanza fisica e culturale, e si è unito in un’unica rete, attraverso i mass media ed i social networks, qualcosa è stato smarrito o, peggio, è andato perduto: l’essenza dell’umanità e la possibilità di condividere in concreto la propria esistenza. Si vive circondati dal caos del mondo ma si finisce per essere rinchiusi, come in una gabbia, nella prigionia di un IO che non trova modo di vivere come NOI. Il mito del progresso e la nuova religione del lusso e del divertimento lasciano dunque il campo al senso di una desolata e malinconica solitudine, alla depressione di fronte all’impossibilità di una vera comunicazione e condivisione e dunque al disinganno. Un’incomunicabilità che l’artista ritrae nei suoi personaggi: sempre in primo piano, sono gli unici attori in questo spaccato dell’esistenza, sono i soli protagonisti di un racconto emozionale perché non c’è nessuno accanto a loro che ascolti l’urlo della loro anima. Mantovani li ritrae completamente immersi nei loro pensieri, dimenticando ciò che gli accade attorno. Non ne sono partecipi, ne sono esclusi o forse se ne escludono perché impegnati a guardarsi dentro per capirsi. Accovacciate su un binario della stazione, in cammino lungo una via trafficata, girovagando tra le luci e le assordanti macchine del luna park, le sue figure sono sole, con lo sguardo altrove che non vuole incontrare l’attenzione e l’interesse di altri. Mentre tutto attorno è movimento e rumore, i suoi personaggi si muovono con un altro ritmo e con un altro tempo: il loro ritmo e tempo interiori, di un pensiero che scivola lento e profondo. Sono Attimi, sono un percorso continui di ricerca. In questo cammino verso la consapevolezza inizia la riscossa delle loro esistenze. Ne nasce una bellezza interiore e dunque una grazia esteriore, i suoi protagonisti diventano Fiori di strada. In quelle periferie desolate o rumorose, sudice o abbandonate si accende la bellezza degli sguardi di chi non demorde, di chi combatte… e forse vincerà. Non c’è compiacimento per la bellezza di questi volti e di questi corpi. C’è empatia. E infine ecco che si riscopre la bellezza della vita. È la possanza della resilienza. È un viaggio che ognuno di noi compie in se stesso. È il pensiero che domina questo mondo che, nello sforzo di raggiungere una consapevolezza e di ritrovare le forze per resistere, sembra perdere il colore. Una cromia selezionata e parca non ci distrae. Solo la figura è a fuoco, perché si è messa a fuoco. Il contesto si scioglie nell’emozione, si sfalda come uno sfondo perso nelle lacrime. Sono lacrime di colore che scivolano sulla tela come lacrime nascoste che urlano al mondo. Noi le dobbiamo ascoltare come l’artista. L’attenzione dell’artista si sposta infine puntandosi su quegli occhi, sullo sguardo, finestre dell’anima. Scompare lo sfondo, scompare la città, scompare il mondo, fino a che rimangono solo il volto e i pensieri. Sono i Ritratti. La materia sporca della città, della realtà urbana ferrosa è sempre presente, è la cortina da cui emergono con forza. L’impostazione dell’opera si semplifica ma si potenza la forza espressiva.

Testo critico a cura di Emanuela Fortuna

da RESILIENZE I Fiori dell'Anima

L'arte ha accompagnato la storia della civiltà dalla notte dei tempi, o meglio, dagli albori della coscienza umana con i celeberrimi graffiti e dipinti di Lascaux risalenti forse a 18.000 anni fa, ora patrimonio mondiale tutelato dall'UNESCO. Un'epoca puramente indicativa che, se  non certifica con esattezza la nascita dell'arte figurativa, testimonia quantomeno il bisogno primordiale di rappresentare e consacrare la Natura, i fenomeni connessi alla vita ed al suo mistero secondo la mimesis, ovvero l'imitazione. Lo sguardo dei nostri progenitori artisti era dunque puramente emulativo e volto alla raffigurazione fedele di animali, piante o paesaggi, senza implicazioni emozionali o psicologiche. La stessa impressione la ricaviamo dall'arte assiro-babilonese o da quella egiziana. Qui l'intento è documentare avvenimenti storici o religiosi con il distacco del cronista che svolge il suo lavoro senza commenti a margine. Con le sculture e pitture dei Greci prima e dei Romani poi, l'arte inizia a rivelare aspetti inediti fino a quel momento. Soprattutto nella scultura vi è l'esaltazione della forza, del carattere dei personaggi nel pieno delle loro prodezze belliche e, in generale, l'epopea di un tempo che ancora oggi ci appare vivo grazie a quelle solenni forme marmoree che restituiscono il palpito vibrante dei corpi. Una fenomenologia della rappresentazione che si lega indissolubilmente ad una parola: realismo. Un termine, quest'ultimo, che già dall'analisi del suo etimo (res, dal latino, significa 'cosa') rivela la presenza di avvenimenti concreti, tangibili per l'interpretazione dello sguardo. I canoni di questo movimento vengono definiti in Francia subito dopo il 1850 con la pittura 'viva' di Courbet, ma l'arte è sempre stata raffigurazione realistica. Dovremo attendere l'inizio del novecento per vedere sovvertita questa tendenza. Dalle premesse degli impressionisti francesi che iniziano a scomporre figure e paesaggi fondendoli in un unicum, l'arte assumerà le connotazioni di linguaggi astratti ed informali dove non conterà più il percepire definito dello sguardo imitativo ma il sentire (e rappresentare fuori da ogni regola convenzionale) – con personalissima sensibilità e metodo – il mondo circostante.

IL REALISMO

  La contemporaneità, alla luce delle molteplici esperienze trascorse, offre infinite possibilità tecniche e soluzioni espressive, dalla tradizione all'innovazione più ardita. L'estetica non è più dogma assoluto che unifica bensì valore personale che fa storia a sé, senza necessariamente riferirsi al precedente. C'è l'artista che si identifica nell'azione della performance e si ritiene svincolato da qualsiasi implicazione stilistica o estetica, nella considerazione che l'unica cosa che conti sia la manifestazione di un'idea forte, trasgressiva e vincente; ci sono gli esponenti dei linguaggi d'avanguardia del novecento, autentici sovversivi della classicità della forma. Infine, gli artisti più conservatori sempre fedeli al metodo, allo studio di un Vero che non è esercizio stilistico ma dimensione di profonda indagine antropologica, psicanalitica o sociologica. Artisti che non intendono rinunciare ai dettami accademici, all'armonia sacra delle proporzioni e, in ultima analisi, alla destinazione originaria dell'arte quale confronto con la Natura e percorso interiore. Il realismo non propone espressamente temi religiosi, mitologici o allegorici ma i fatti per come si presentano, sovente con marcate implicazioni sociali. E' il caso di Rosy Mantovani, artista fedele ad una pittura dell'esistenza allo stato puro che cela nel suo nucleo la verità profonda degli uomini. Una cifra espressiva che riflette, nella definizione attenta dei personaggi protagonisti, quella molteplicità psico-comportamentale riferita al dramma umano.

I CONTENUTI: FIORI DI STRADA

L'ETERNO FEMMININO - I VOLTI DELLA VITA

"L'arte si rivolge a tutti nella speranza di essere, prima di tutto, sentita, di suscitare uno sconvolgimento emotivo". Andrej Tarkovskij

Nelle parole del regista russo sembra racchiusa l'anima stessa dell'arte, quella dimensione che appartiene alla pittura, alla poesia, alla fotografia e ad ogni linguaggio espressivo che mira a raggiungere altri intelletti ed altre anime. Un'arte che riserva, nella sua più pura essenza, la volontà di tradursi in atto esistenzialista, filosoficamente e formalmente. Tale, in fondo, si rivela la pittura dell'artista Rosy Mantovani, che torna felicemente in Galleria Farini cocept per proporre altri tasselli della proprio ricerca pittorica. Opere emozionali, che ritraggono quasi esclusivamente l'eterno femminino, universo che l'artista sonda attraverso un'analisi dei sensi, delle emozioni e sotto il riflesso della luce dettata dall'antropologia e dal nostro tempo. Emerge, quale sotteso trait d'union, in tutta la sua produzione, uno sguardo malinconico, distante, capace di rapportare disagi interiori prettamente appartenenti al mondo di Venere. Una malinconia, una sorta di inguaribile solitudine che veste l'intera figurazione e si traduce in componente semiotica. Sino ad ora la Mantovani ci avveva abituati a dipinti in cui le protagoniste erano immerse in una sfera metropolitana, sfocata, buiia, desolata, opere di grande potenza espressiva che rimandavano agli stilemi di fotografia. Le opere presentate in occasione di Arte a Palazzo - Primo avviversario di un progetto del contemporaneo, entrambe nominate Untitled, appartengono alla più ampia serie Ritratti e propongono al pubblico un ulteriore tratto pittorico della Mantovani. Se si ripercorresse l'intera storia del ritratto, da quello più informale - sin dalla scuola dell'infanzia si chiede ai bambini di "ritrarre" i membri della propria famiglia - a quello divenuto, nei secoli un genere a sè stante, capace di rivestire ruoli differenti e sempre di maggiore importanza, si scoprirebbero valenze simboliche peculiari a questa forma di rappresentazione. Da Pigmalione a Dorian Gray il mito e la letturatura, inoltre, presentano figure indimenticabili, stregate dalla malia del ritrattoo, ora struggente o talvolta persino diabolica. In ogni caso, più che in qualsiasi altro soggetto, il ritratto è quello con cui più l'arte si confronta e scontra con la natura. Il pittore cattura un'espressione fuggevole, un momento irripetibile, un moto dell'anima e li fissa indelebilmente sulla tela, esternando una presenza, un volto. I due ritratti della Mantovani paiono eternare due visi femminili, anche per quell'effetto statuario che l'artista ha dato alle raffigurazioni. Un effetto straordinario, che riporta alla memoria un altro mito greco, quello di Medusa, che con il proprio sguardo pietrificava chi incrociava la sua strada. Non c'è un tratto malvagio nelle opere dell'artista, ma la volontà di fermare, anche stilisticamente un'imago. La polverosa atmosfera che attornia queste due donne, le cristallizza, le isola, a differenza di dipinti già noti, nella loro fermezza, nel taglio fotografico, nell'impressione di set cinematografico; inverità sono gli sguardi a colpirci, a svelare i turbamenti di una psiche, quella femminile, complessa, ma da non aver bisogno di titolo esplicativo. Non importa che le figure siano quasi abbozzate, scrostate, indefinite, fantasmagorie di un intero universo; è nei loro sguardi, diretti o indiretti, che si racchiude la chiave di lettura ed il legame empatico tra chi osserva, chi è effigiata e chi ha dipinto.

 a cura dello staff Galleria Farini - Bologna

da ARTE A PALAZZO